Nota de Intención


Nota de Intención
La idea primigenia de Muebles Aldeguer nació a raíz de un ejercicio cinematográfico propuesto por Abbas Kiarostami. A partir de ahí, y en todo lo que restó de rodaje y elaboración de la película, decidí abordar el proyecto con libertad y espíritu lúdico, trabajando a fuerza de impulso e intuición. En un momento dado, no obstante, la razón y el análisis tuvieron que imponerse y descubrí que aquella libertad era la que había permitido que afloraran, casi sin darme cuenta, cuestiones que llevaba tiempo mascullando. Desde un punto de vista temático se repetía el asunto de la incomunicación y la necesidad de llegar al otro, y una cierta sospecha de que esto de la vida tiene mucho de tratar de lidiar existencialmente con lo que toca. Pero también aparecían cuestiones como el sentido (o no) del trabajo, mi incomodidad con cierta inercia y pasividad española, o la paradoja de la disolución de las fronteras entre lo público y lo privado.
Desde un punto de vista estético, Muebles Aldeguer continúa una línea personal de trabajo con preferencia hacia personajes que, sin llegar a ser marginales, viven –voluntariamente o no– apartados u obviados. También mantiene una preocupación por tratar de encontrar el lenguaje cinematográfico justo y específico para cada proyecto, y una confianza en la elocuencia de la forma. Hemos procurado que cada instrumento cinematográfico –fotografía, montaje, sonido– buscara sus propios matices y un genuino valor expresivo.
Muebles Aldeguer es una película creada a partir de personas y lugares reales, pero en la que no ha existido mucho recato para introducir un lenguaje de ficción. Se han buscado aquellos gestos que, realizados de manera natural y habitual por los personajes, tuvieran más de cinematográfico. Confío, no obstante, en que la película haya sabido captar el espíritu de lo que allí acontece, incluso de manera más fidedigna que lo que hubiera supuesto el mero registro y ensamblaje de la realidad cotidiana. Y en esa tenue línea entre el documental y la ficción ha radicado precisamente gran parte de la dificultad de la película. Durante todas las fases de su realización tuvimos que buscar el punto justo –y en el caso del sonido inventarnos además una metodología propia de trabajo– para no caer demasiado del lado documental ni demasiado del lado de la ficción. En este sentido el proceso podría resumirse como un proceso de «trabajar mucho pero que no se note» tratando de llegar a algo que me gusta llamar la «compleja sencillez».
Me gustaría si en este trabajo hubiesen quedado reflejadas dos de mis inquietudes cinematográficas. En primer lugar la sospecha de que, gracias al cine, tal vez hasta lo más nimio o común pueda arrojar luz sobre nuestra propia existencia. En segundo lugar, el deseo de que el cine, hecho desde un cuestionamiento profundo y una inconformidad con el mundo, trate no obstante de desvelar la poesía que subyace en lo que nos rodea. Con suerte, si ésta aparece, podrá ser compartida.
Irene M. Borrego
Sobre la Directora
Actualmente reside en Lisboa. Tras trabajar como economista reorientó su camino. Se graduó en dirección cinematográfica en la Escuela Internacional de Cine y TV (EICTV) de San Antonio de los Baños, Cuba, obteniendo una mención académica con su trabajo de tesis, el cual obtuvo también el premio especial del jurado en los Rencontres Internationales Henri Langlois. Posteriormente amplió estudios con una beca en The London Film School. En 2013 y 2014 es becada por el Museo del Prado para cursar «El Ojo que piensa» y «Construcción y representación del Mundo Nuevo», seminarios de filosofía del arte dirigidos por Félix de Azúa.
Residente en México durante varios años, ha trabajado como ayudante de dirección en varios largometrajes iberoamericanos de ficción, como guionista para televisión y ha colaborado en las secciones culturales de diversos medios de prensa en México. A su vuelta a España co-funda 59 en Conserva, laboratorio de proyectos cinematográficos.
Sus trabajos han participado en Tampere, Edimburgo, Slamdance, Monterrey, Amiens, Molodist, Málaga, Punto de Vista y Documenta Madrid, entre otros festivales, y han sido premiados en Francia, EEUU, Italia y Ucrania. También han sido programados por el Instituto Cervantes en Alemania. En 2008 fue invitada a Serbia por Emir Kusturica para recibir, junto a otros jóvenes cineastas de diversos países, clases maestras de Nikita Mikhalkov, Fatih Akin, Cristian Mungiu, Michael Radford y el propio Kusturica. Ha realizado también talleres de cine con Albert Serra y Abbas Kiarostami.

Director's Statement
Beside the short duration of The Furniture, this may very well be the most difficult note of intention I ever had to write. I think this is partially due to the completely free and spontaneous approach I had towards this project: following my impulse and intuition as well as enjoying myself along the journey. The very first idea of the film came up during a workshop led by Abbas Kiarostami. I decided to keep a playful spirit, an attitude I maintained throughout the whole creative process and the making of the film that came afterwards. This proved to be an obstacle when trying to write a director’s note; but at the same time it turned out to be a very enriching experience. At some point along this journey though, I had to use a rational an analytical approach. That was also the moment when I realized that freedom allowed – in an unconscious way – for those same topics to surface that I had been dealing with for a while. The topics I am referring to are the incapacity to communicate as well as the need to reach out to the other, as well as a certain suspicion that life has a lot to do with trying to play existentially with the cards you received. Other underlying topics were the meaning of work (or the lack thereof); my uneasiness with a certain Spanish numbness and way of being passive and reactive; and the paradox of the dissolution of boundaries between private and public.
The Furniture is a project that was created by filming real people and actual places but where a targeted attention was given to introducing a fiction language. Also we tried to capture characters doing those gestures, that even if carried out in a natural way, had actually a cinematic element attached to them. I hope however that the film will be able to capture the gist of what is happening in that place, even more than the real and simple registration of every day’s life would have given. Walking this fine line between documentary and fiction has been also the major challenge for this short film. During all the phases of its production we had to aim for the right balance – in the case of sound treatment we even invented a specific working method – to ensure we were not moving the post too much in the field of fiction or documentary. The process, from a rational perspective, could be summarized as “putting a lot of efforts but ensure it did not show” in order to achieve what I like to refer to as the complex simplicity.
From an aesthetics’ point of view, The Furniture continues a working approach dedicated to characters that are not living at the actual margins of society, but are living – willingly or not – separated from or forgotten by it. Furthermore for me it is also very important to find a cinematic language that is appropriate and specific for each project. I am guided by the belief that film form has its own poetics of expression. Cinematography, editing and sound design should not be tools that simply accompany a narrative line or a description. Emphasizing subtleness and avoiding sensationalism, I would like to achieve that each cinematic instrument displays nuances as well as has a truly expressive value.
I do believe that the most useful cinematic theory for each artist is that one that is actually forged by each one on their own as a result of constant research, dialogue and work. It is as a consequence of the topics that concern an artist as well as the aesthetic search that each filmmaker is creating their own path. I wish that in The Furniture people can find two of my main concerns. First of all, the strong belief that thanks to filmmaking even the most insignificant or trivial elements have the power to shad a light on our existence. The second is that filmmaking, even if triggered by a deep questioning and disagreement with the world, might look into disclosing the poetry underling everything surrounding us. If we are lucky, if that is the case, we will be able to share that moment.
Irene M. Borrego
About the Director
She is currently living in Lisbon. As a young Economics graduate she worked as a strategic consultant before changing her path to move in a new direction. She graduated in Film Directing from the Escuela Internacional de Cine y TV (EICTV), in San Antonio de los Baños, Cuba. Her graduation project obtained an academic distinction as well as the Special Prize of the Jury at the Rencontres Internationales Henri Langlois. Later on she extended her studies at The London Film School with a scholarship. In 2013 and 2014 she became a Prado Museum scholar for «El Ojo que piensa» Aesthetics Seminar under the guidance of Félix de Azúa.
Living in Mexico for several years, she cooperated with diverse press media in the culture section as well as worked as an assistant director for several Latin-American features like Madrigal and El búfalo de la noche. Back to Spain, she co-founded 59 en Conserva, an independent production company committed to innovative projects.
Her works as a director have been screened at Tampere, Edinburgh, Slamdance, Monterrey, Amiens, Molodist, Málaga, Documenta Madrid and Punto de Vista among others film festivals, as well as have been awarded in France, USA, Italy and Ukraine. They have also been part of the programming of the Instituto Cervantes in Germany. In 2008 she was invited to Serbia by Emir Kusturica to receive along with other young international filmmakers master classes by Nikita Mikhalkov, Fatih Akin, Cristian Mungiu, Michael Radford and Kusturica himself. She has also attended film workshops by Albert Serra and Abbas Kiarostami.